過去40年の音楽史において、最も革新的かつ影響力のあるバンドのひとつとして知られ、卓越した作品群に加え、大音量で鳴り響く轟音ライブや、世代を超えてカルチャーに与えた影響により、現在も多くのリスナーから絶大な支持と尊敬を集めているMy Bloody Valentine。ジャパン・ツアーは2018年8月以来8年振りで、東京と大阪の2公演が開催される（大阪公演は13年振り）。本日よりオフィシャル先行の受付がスタートした。

1988年の1stアルバム『Isn’t Anything』、1991年の2ndアルバム『loveless』、2013年の3rdアルバム『m b v』、そして4枚のEPとレア・トラックを収録した『ep’s 1988-1991 and rare tracks』を通じて、ケヴィン・シールズ（Kevin Shields）、ビリンダ・ブッチャー（Bilinda Butcher）、デビー・グッギ（Debbie Googe）、コルム・オコーサク（Colm O Ciosoig）によって創り出されたサウンドは、同時代のギター・バンドとは一線を画すものであり、従来の音楽の枠組みを根底から覆すような独創性と未来的な感性に満ちている。

2021年にはDomino Recordsとの契約を発表し、ストリーミングおよびデジタル配信を解禁。さらに全4作は、音源からパッケージに至るまでバンドのこだわりが反映された新装盤の高音質CDとLPフォーマットで再発されている。

■ my bloody valentine – JAPAN TOUR 2026

[大阪公演]
2026年2月4日(水) Zepp Namba
OPEN 18:00 / START 19:00
前売：1Fスタンディング ¥18,000
2F指定席 ¥20,000

[東京公演]
2026年2月6日(金) 東京ガーデンシアター
OPEN 18:00 / START 19:00
前売：アリーナ・スタンディング ¥20,000
スタンド指定S席 ¥20,000
スタンド指定A席 ¥18,000

*オフィシャル先行（抽選）：
4/22（火）17:00 – 5/6（火）23:59
https://eplus.jp/mybloodyvalentine/

*公演詳細：
https://smash-jpn.com/mbv2026/

あの頃、シューゲイズのリバイバルというものが起こり、My Bloody ValentineやRideをはじめ、数々のバンドが再結成をした。Slowdiveも同じジャンルに括られ、一時代を築いたバンドの一つで、リバイバルの到来と共に2010年代に再結成した。だが、彼らを“轟音”という一つの言葉で説明できたのはおそらく、90年代前半という短い期間においてのみの話だったように思う。

My Bloody Valentineは『Loveless』以降沈黙を守り、他のバンドは各々の道を辿った。時に彼らの初期以外の作品は蛇足といった扱いをされることもあったが、“シューゲイズ”という言葉が消えた時代こそが、彼らの個性というべきものが表出した時代だった。

再結成というタイミングで再び脚光を浴びるようになった当時のレジェンドたちの現在地は三者三様だった。My Bloody Valentineだけは発端というだけあって、好むと好まざるとに関わらず、彼らの在り方がシューゲイズを決定づけているのだと思わせるような音を鳴らしていた。一方で、Rideは兼ねてよりトレードマークであったキャッチーで青いメロディに磨きをかけ、再結成後はイギリスのロック・バンドの先頭集団で走っている。

多数のバンドが再結成し、新たなバンドも多く現れたなか、Slowdiveの再結成とセルフ・タイトルの新しいアルバムは一際シューゲイズらしかった。このバンドの如何にシューゲイズであるかは、この日のライブでも幾度となく痛感させられるものだった。

フジロックのセットは『Slowdive』のオープニング・トラックである「Slomo」から始まった。青紫の光の中で、あのイントロがゆっくりと展開していく時、このバンドがやはり正伝の主人公なんだな、と私は再確認することとなった。ニール・ハルステッドとクリス・セイヴィル、シンメトリーな二人のギターによって、音の塊がステージからフロアへとゆっくり引きずり出され、浮遊していく。この、音が爆発し切らずに中空を重量感たっぷりに漂い続けるのがこのバンドの魅力だ。「Slomo」を聞くと「あぁ帰ってきたな」ないしは「また始まっていくんだな」という、『Slowdive』リリース当時の感動が思い出される。このようにして、SlowdiveはSlowdiveのまま再び動き出したのだ。そして今も、SlowdiveはSlowdiveのままである。

セットは「Slomo」から、もっとも古いアルバム『Just For A Day』の代表曲「Catch The Breeze」へと続いていく。ベスト盤のタイトルにもなった名曲が響く中、暮れ切ったレッドマーキーの屋根の下、観客には日本国内外からの若者の姿が目立っていた。その数は、MBVやRideの再結成後のライブなどと比べても明らかに多い。もちろん当時からのファンらしい観客も静かにステージを見守っていた。その全員が最後のノイズ・パートで一斉に歓声を上げる。轟音の渦に飲み込まれるように、ストロボの点滅に消えてしまいそうになるように、皆が大きく口を開けて全身に音を浴びていた。

続いて『Slowdive』から疾走感あふれる最初のシングルカット「Star Roving」の演奏を経て、3rd『Pygmalion』の「Crazy For You」が演奏される。印象的なリフが鳴り始めると歓声が上がり、音源よりも主張の強いベースが追従していく。バンドは『Pygmalion』を最後に解散し、Mojave 3やMonster Movieといった各々のプロジェクトに分裂していった。つまり『Pygmalion』が再結成までの最後の作品だったわけであるが、Sigur Rósをはじめとするポスト・ロックの隆盛と共に後年改めて評価された作品だったとも言える。「Crazy」はアルバムの中でもポップで、一曲だけ毛色が異なっている。だが同時に、次に演奏される「Souvlaki Space Station」や、『Souvlaki』期の『5 EP』の楽曲「Good Day Sunshine」などで見られたバンドの空間的かつミニマルなアプローチの軌跡の帰結として見れば、『Pygmalion』を代表するのに相応しい曲でもある。

個人的な意見ではあるが、解散後はMojave 3にSlowdiveの“曲”が、Monster MovieにSlowdiveの“音”が、それぞれに分かれて行った、というざっくりとした印象がある。メンバーそれぞれが持ち合わせていたパーツの数々が再び重なり合った時、Slowdiveの持っていた唯一無二の声が以前にも増して明確化した。このバンドにはシューゲイズというジャンル――こちらはMy Bloody Valentineが否応なしに定義してしまうシューゲイズではなく、シーンにあったバンドたちが形成していた空気感という意味でのシューゲイズの精神が色濃く存在していたように思う。

6曲目に演奏された「Sugar For The Pill」の演奏は、まさにそのメンバー5人の個性を結集したような空間であった。前段落で触れた、シーンが形成したシューゲイズの精神性というものがありありと感じられる演奏だ。この曲には派手な轟音のパートがない。ただこのバンドこそがシューゲイズそのものだったのではないかと思わされるような突風がアンプから正確に吹き付けていた。それはリズムであり、メロディであり揺れながら入れ替わる佇まいである。

面白いもので、御三家と言われたバンドたちがいなくなった後に登場し、トレンドにはならずともジャンルのファンを唸らせてきた数々のバンドたちにも、必ずそのSlowdiveの風が吹いている。あれほど音楽性が異なるA Place To Bury Strangersにも、先ほど触れたSigur Rósにも、ブラックゲイズを代表するフランスのAlcestまで。どこまで再解釈されてもSlowdiveの風というべき一定の空気感が存在しているのだ。

さらに時代が進み、明らかなリバイバルが訪れると、DIIVやBeach House、Deafheaven、Deerhunterなど、いわゆるシューゲイズという枠を外れ、広く知られるようなバンドが登場した。彼らはシューゲイズやドリームポップといった枠を飛び出し、大げさに言うとバンド＝ジャンルと言えるようなサウンドを築き、それぞれが数々のフォロワーを生んだ。彼らの音楽を聴いてもSlowdiveが持っていたバランス感がベースに薄く、だが明確に存在している。

再結成したSlowdiveはそこから歩き始めたのだ、と今回の演奏を観て痛感した。まるでこれまで自分たちがやっていたことの続きをやるように、新しいバンドたちが作った全く新しい現在の音楽から、Slowdiveは物語の続きを歩み始めた。『Slowdive』がリリースされた際に印象的だったのは、レイチェルが何かのインタビューで「逆に彼らから受けた影響がとても大きい」としてBeach Houseの名前を挙げていたことだ。実際『Slowdive』ではBeach Houseを手がけたChris Coadyがミックスを担当している。

こういった影響は、きっとアルバムの制作だけにとどまらずライブ演奏にも及んでいたはずだ。往年の名曲「Alison」は前作『Slowdive』リリース時のツアーの際よりテンポがアップし、コーラス・パートのクリスのギターも、うねりのようなサイケデリアから、現在のドリームポップ的に再解釈された鋭利なサウンドに変わっていた。リズム感も音源とは大きく異なっており、おそらくは『Slowdive』リリース時の演奏とも異なっていた。

「Alison」に続いて、新作からのシングルカットである「Kisses」が演奏された。改めてSlowdiveの現在形を突きつけた今回のライブだが、その終盤で新曲を演奏するというセットの構成に思わず嬉しくなってしまう。やはり、再結成したシューゲイズ・バンドたちのライブを観て毎度思うのが、彼らは今のバンドであるという一点だ。だが、他のバンド以上に、Slowdiveの音楽からは若者たちが現在進行形で築いているジャンルと同列のものが感じられる。客層や歓声の高さも私が受けたその印象にバイアスをかけているのは間違いないが、それを抜きにしても同列で歩いているのだ。1stが酷評され、2ndは40曲書いた末に没にされるという経験をし、3rdを出したらレーベルからドロップされ解散、そんな話ばかり聞いてきた私は、当時のバンドの並びだと一番と言って良いほどのレベルで評価され、幅広い層に愛されている今のSlowdiveを見て本当に嬉しくなる。というか、俺らの世代が誇らしいぜ、時代がSlowdiveに追いついたとかではなく、俺らが未来で待っとったんやで、という思想すらはみ出てくる有様だ。

だが、新曲を聴いてると、アレンジは今風である一方で、曲そのものはとにかくニールの手癖なりであることに耳が喜ぶのも不思議だ。誰かの影響にオープンであることで進化する一方で、どこまでもSlowdiveのままであるものもある。このバンドはこれからもずっと続いていくのだろう。Slowdiveのライブというと、私はまず最初に2014年再結成時のツアー、Best Kept Secretの「Golden Hair」のファンショット映像を思い浮かべる。高校生の時にSlowdiveにはまって（地元のTSUTAYAには一枚もなかった）、YouTubeを観漁っていたら出てきた映像。「このバンド今もやっているのか！」と興奮気味に再生し、「Syd Barretじゃん！！」ってなった記憶がある。映像のハイライトはサムネイルにもなっている、観客席で肩車された青い髪の若い女性だ。彼女が号泣してるのが終始ちらちらと映る。何？　ライブで泣くの？　そんな良いんだ、観てみたいなって気持ちだったが、今となってはライブで泣くのも理解できるし、「Golden Hair」の最後に待ってるカタルシスが否応なしにそういった感情を起こさせるのも100パーセント理解できる。今日のライブも「Golden Hair」で幕が下ろされた。私にとって3度目の「Golden Hair」は、安心感と、喜びと希望の入り混じったノイズだった。大きな音、歌、そして観客の盛り上がりまで、正直言って完璧なライブだった。Slowdiveのライブにはここでしか満たせない感情が鳴り響いている。今後も何度もこのバンドをライブで観て、そのたびに思い出を作っていきたい、と思った。

Slowdive – Fuji Rock Festival 2023
2023/07/29
RED MARQUEE

1. Slomo
2. Catch The Breeze
3. Star Roving
4. Crazy For You
5. Souvlaki Space Station
6. Sugar for the Pill
7. Alison
8. When the Sun Hits
9. kisses
10. Golden Hair (Syd Barrett)

Rideが再結成したのは2014年で、当時の僕は18歳だった。僕とバンドの出会いもその頃で、後追いで聴いた『Nowhere』に詰まっていた底のない青さに押しつぶされそうになりながら、青春を過ごしていた。初めてのフジロック、夕日に暮れていくGREEN STAGEのどこか遠く、きっと心の奥底から響き渡ったであろうあの「Leave Them All Behind」のイントロはフジロックで最高の瞬間だった、今も揺るがない。

これまで三度Rideのライブを観てきた。一度目が前述の2015年のフジロック、再結成ツアーでのセットで、彼らは過去作からの名曲の数々をうねる轟音で広い芝生の上に塗りたくって、どんどん会場の夜を彩っていた。
（その後、2015年は韓国でも1公演。同年11月、『Nowhere』25周年ツアーで来日し東京・大阪で公演、シンガポールと香港でも1公演ずつ。）

二度目は2017年、SUMMER SONICの前夜祭、HOSTESS CLUB ALL-NIGHTERというイベントで、当時は再結成後1作目の『Weather Diaries』リリース直後、夜中だし、ダンサンブルな「All I Want」から「Taste」の流れでもう頭がダメになり、気づいたら人混みのなかで踊っており、終わったらセットリストを掴んでいた。溺れそうだった。
（2018年2月に『Weather Diaries』のツアーで来日し東京・大阪で公演、3月にかけて韓国、台湾、上海、北京で1公演ずつ。）

三度目はインドネシア、かつて前座に見出したDIIVとのツーマンで、DIIVが荒削りなデモ状態の新曲も含むアグレッシブなライブ演奏で若者たち（私も含め皆若かった）を踊らせた（モッシュもやった）のちにRideは登場し、圧倒的な音色で会場の空気を変えた。若者たちはみんな後ろで座ってステージを見上げていた、前の方にはいつの間にか前へ押し寄せた40代、50代の男女の姿があった。彼らは呆然とステージを見つめていた。Rideの音はDIIVとは比べ物にならないくらいに緻密に出来上がっていて、思わず感激しステージへ近寄った。現地で知り合った若者とライブの話をしていて「DIIVもよかったけれどRideはやっぱり音が違うね、泣いてる人もいた」と僕が言うと、青年は「彼らがインドネシアでライブをするのは初めてなんだよ。30年待ってたんだ、俺らとは比べ物にならないよ」と。それが2018年。
（2019年、再結成後2枚目のアルバム『This Is Not A Safe Place』を発表し、11月にツアーで来日、東京・大阪で公演。日本に住んでいたが貧乏すぎて行けなかった。当時の彼女が行って「楽しかった。主役はロズ」と言っているのを聴いて嬉しかったのを覚えている。上海でも1公演。）

という人が今回のライブレポを書いています、そういう長い前置きだった。4年ぶりに観るのは、『Nowhere』30周年を冠して行われた4月19日、リキッドルームでの公演だ。

アンビエントなウォーク・オン・イントロが流れるなかRideのメンバーが登場したとき、久しぶりに見る4人の姿に興奮した。簡単な挨拶ののちにセットは「Seagull」で幕を開けた。僕はライド・シンバルからスタートし、Taxmanのベース・ラインが捻じれこんでくるあのイントロを常々、徐々に昼寝から目覚め始めるような、と形容していたのだが、このイントロにはそのような、人それぞれだろうが何等かの情景を呼び起こさせるような非常に強い印象があるのではないだろうか。

再現セットを観ると、その明らかに色を押し付けてくるような強い曲によってアルバムが幕を開けることに圧倒的な正義を感じた。The Beatles『Revolver』の「Taxman」から拝借したベース・ラインが響きわたるだけあって、引き合いに出したくなるようなサイケ・アルバムでもあるが、『Nowhere』のために提示される音のテーマは全く異なるものである。『Revolver』はゲーム・チェンジャーであったが、良くも悪くも個人的な経験を深めるようなアルバムではない。あの金字塔には自分を差し込む隙がない、一方『Nowhere』はどこまでも個人的なサイケ・ロックだろうと思う。悪く言うとかったるい、寝覚めは良くない、重い夢から引きずり起こされるような、でも同時に幻想性の強い、まさに昼寝で見る夢だなと思うということなのだが、これは非常に匿名的で解釈の余地がある、良い意味でねじの緩みやアンバランスな力みがあるアルバムなのである。そして今回の「Seagull」はその余白の明らかに存在する演奏であっただろう。今まで聴いていたのは爽やかすぎたよな、というか、結構どろどろした、アルバムを聴きながら何かに浸ってるときのイメージにめちゃくちゃ近い「Seagull」だった。

そこから「Kaleidoscope」「In a Different Place」と続いていき、徐々に僕のなかで、今回の演奏がこれまで観たどのRideとも大きく異なっているという印象が無視できないものになっていった。実際の彼らの心境がどうであったかを知らないので憶測に過ぎないが、パフォーマンスの面でも、音色の面でも演出がそぎ落とされて、めちゃくちゃシンプルになっていることに気づかされたのだ。

これまで観たRideのイメージとしては、圧倒的に作りこまれた音とバンドが一体化し、一つの現象として存在するような、すなわちこれまでのライブで僕が感じていたのは彼らの演奏がバンドのパフォーマンスではなく、時間&空間の提供であるという印象だった。

しかし、今回はそうではないように感じた。まず4人の人間にまっすぐスポットライトが当たっている時間はわずかで、真っ暗のステージに立つメンバーの顔はほとんど見えなければ、ステージ上での動きも心なしか静かである。MCもロック・ミュ－ジシャンが観客を煽るようなものではなく、なんというか、曲が終わるごとにちゃんと人間に戻ってしっかり言葉を話してるなって感じ。劇をやっているわけではなく、4人の人間が集まってRideの曲をやってる感じ。変な感想だけど。

そして今回は、豪華絢爛な音作りや所謂シューゲイズ的な美しいノイズもない、粗くて太いサウンドの2本のギターと、リズム隊の2人の呼吸が、丁寧に丁寧に、壊さないように過去の名曲の数々を掘り起こすような、そんな演奏なのだ。だからこそ「Seagull」の段で述べたような余白のようなものを感じたのかもしれない。

聴いているこちらも、興奮気味に前のめりで待っていた恰好から、徐々に静かに聴き入るような形へ移行していく感覚があった。どんどんどんどん沈められていくような不思議な感覚で、まるで今まで受けた印象の真逆であった。僕の個人的に最も好きな曲である「In a Different Place」からドラムが忙しい「Polar Bear」、MCを経て「Dreams Burn Down」と、この区間などはもう黙って、身体をピクリともさせず、棒立ちで食らっていた。やられた、気づいたら身体中に音符を刻まれてしまった、『Nowhere』でびっしりになってしまっている。本当に、この楽しい時間ではなく、曲そのものの良さにフォーカスが向くような、不思議な感覚のライブなのだ。

「In a Different Place」をはじめ、「Decay」「Paralysed」「Here and Now」「Nowhere」など、普段のセットではなかなか聴けない曲が並んでいたことも特筆すべきだろうけど、なかでも特に感銘を受けたのはメイン・セットの最後を飾った「Nowhere」だった。まるでアコースティック・ライブのような構成の（それはさすがに言い過ぎなんですが）、ソング・オリエンテッドなセットで、こと全力ハーモニカが最高な「Here and Now」を演奏し終わったあと、おもむろにライブ用に脱構築された「Nowhere」を大ノイズなしの生っぽい音色でプレイし始めるなんてのは反則だと思った。今までノイズにまみれて気づかなかった各パートの絡まり方や、4つの人間が奏でる音の相互作用を生かしつつの発展であったりが全面にあった、そういう良さにたくさん出会えるライブだったけれど、その象徴がこの曲だったと思う。

だんだん音が減っていってロズのドラムだけになったところで、アンディ・ベルが
“All that left is you and me
and here we are
nowhere”
（残ったのは僕と君だけだ
こんなところに来てしまった
ノーウェア）
と歌う。この歌詞が繰り返され、最終的にはノイズ・パートに入っていく。びっくりした。正直知りませんでした、この感じで最後ノイズやるんですか？　この曲にこのパートが入ってたんですか？　驚きつつ楽しみました。「Drive Blind」だけだと思ってましたね、そして、「Drive Blind」のノイズ・パートとは全然違うんですね。

音の恍惚ではなく、物語的な恍惚があった。「Seagull」から始まり、あれあれと終わってしまう、そんな感情が沸いてきて「Nowhere」良いなぁ、と思った。単体になった途端に意味が外れて、めちゃくちゃ不思議になる単語をタイトルにしたアルバムの再現セットにふさわしい、というかコンテクストを作って最後の「Nowhere」に意味を持たせるような、面白いライブだった。

これはRideが主役でありながら、Rideがここにはいないのだな、というような曲解も自分のなかで発生したし、「じゃあどこにいるんですか？」「Nowhere」ということなんですよ。自分の曲をこんなに大事そうに、丁寧に演奏している人を初めて見た。主人公はRideではなく、Ride。今この瞬間を楽しむというよりは、曲そのものに飛び込むような、マジで不思議な感覚のセットだった。

もちろんこのあとには、アンコールというパートがあったのですが……『Nowhere』と関係ない曲と共に出てきたRideが正直、別人すぎて笑った。肩の荷が降りたというか気張ってないというか自然というか、ついに本人登場というか、メイン・セットとアンコールでこんなに雰囲気が違うライブっていうのも変な体験で、2組バンドを観たような、謎のあれ。まあ、今まで通りの知ってるRideだった、こっちの方が気を張らず阿呆になって楽しめるかな、と思いつつも、たまにこういうめちゃくちゃ深く潜るような異様な経験も面白かったな、と凄い対比構造になっていた。

いや、本当に。時は流れたということですよ、多分。1988年に結成され線香花火のように眩しい音楽を生み出し1996年に解散した伝説のバンド、Rideという雰囲気はもう全然ない、良い意味で。

2014年の再結成から今年で9年が経ち、既に当時の活動年数を超えているし、再結成後の公演数は今回の前まででアジアで16回、日本だけでも8回。今年の、30周年ツアーの3公演を足すとと追加1公演を足すと、今回の来日で、再結成後の日本でのライブ回数は12回目を数えることになる。この12という数字はRideが解散前に日本で行った公演数と並ぶ数字ってことを考えると非常に感慨深くないですか？

今回の来日公演は単に名盤の30周年を祝うだけでなく、Rideが昔のバンドでなくなった瞬間のライブって思うと。そう考えると、メイン・セットの『Nowhere』のRideと、アンコールで見た現状目の前にいるRideの対比をこのタイミングで観れたのは、とてもいい経験だったと思う。

最後にあの……僕からは一個だけ。今日からは自分たち達を後追いのRideファンと言うのをやめましょう。1stの再現ツアーを二度、2ndの再現ツアーにベスト盤を記念する公演も、再結成後、2枚のアルバムがリリースされました。だから今日からは、僕らも立派なリアタイ世代です。

Ride – Nowhere anniversary show
2023/04/19
LIQUIDROOM

1. Seagull
2. Kaleidoscope
3. In a Different Place
4. Polar Bear
5. Dreams Burn Down
6. Decay
7. Paralysed
8. Vapour Trail
9. Taste
10. Here and Now
11. Nowhere
En1. Lannoy Point
En2. OX4
En3. Monaco
En4. Leave Them All Behind

【Feature】My Best Shoegaze

Vol.22は、11月16日に待望の3rdアルバム『(image for) drawing on canvas』をリリースする、SPOOLのこばやしあゆみが選ぶ5枚。

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■ Deerhunter – Microcastle（2008）

Label – 4AD
Release – 2008/08/19

このアルバムを聴いたのは20歳くらいの時で、シューゲイザーやインディー・ロックにのめり込むきっかけとなったバンドのひとつでした。ふわふわと漂う幽玄なギター、危うい歌声とリズム、夢と現実の狭間にいるような気味の悪さ。まるで鈍器で頭を殴られたような、重くて鈍い痛みと衝撃……音楽を聴いてこんな感覚になるのは初めてでした。今でもその気持ちは色褪せることなく、好きな曲をかけていいよ、と言われたら「Agoraphobia」を流してしまうくらいには大好きなバンドだし、自分が音楽を作る上での血肉となっています。

■ M83 – Before the Dawn heals Us（2005）

Label – Gooom / Mute
Release – 2005/01/24

“もし宇宙にひとり身を投げ出されてしまったらこんな気持ちになるのかな？”とか“ロケットに乗って星空を永遠と旅してるんだなぁ……”とか、このアルバムを聴いていると、宇宙という無限で限りない存在に想いを馳せてしまいます。一瞬でここではないどこかへ連れて行ってくれるもの、音楽は自分にとっていつしかそういった認識となっていました。SPOOLの1stの「_ _ _ _ _ _ 」は宇宙などの目に見えないもの、存在しないものに対してのロマンやM83への思いをこめて実験的に作ってみたトラックです。

■ Beach House – Bloom（2012）

Label – Sub Pop
Release – 2012/05/15

ドリームポップな音楽は？と聞かれたら、私の中でパッと出てくるのはこの2人組です。Deperession Cherry の「Space Song」が一番大好きな曲なので迷いましたが、アルバム全体の空気感ということでこちらを選びました。中でもお気に入りは「Other People」です。魔法にかけられたように美しく響くメロディ、大人っぽく甘い歌声にうっとりして、思わずため息が出てしまいます。“いつかこんなトラックを自分も作ってみたい”と憧れずにはいられません。

■ Brian Eno – Ambient 1: Music For Airports（1978）

Label – Polydor
Release – 1978/03/??

彼はアンビエント・ミュージックの開拓者と言われていますが、音の空間を作り出すという点でシューゲイザーに近しいものを感じています。日常に疲れて頭の中をからっぽにしたい時に部屋の中でよく聴いているのがこのアルバム。ちなみに今年の夏、イーノのヴィジュアル・アート展「AMBIENT KYOTO」を観に行ったのですが、久々に視覚と聴覚が呼び覚まされた気がしました。便利さに慣れ、想像力をどんどん失っていく毎日の中でこういった体験は私にとって大切な瞬間でした。

■ My Bloody Valentine – Isn’t Anything（1988）

Label – Creation / Domino
Release – 1988/11/01

マイブラとの出会いはやはり『Loveless』で、初めて聴いた時、妙に落ち着くというかしっくりくる感じがしました。音楽を聴くという行為そのものを忘れ、陶酔し身体の中に深く沈んでゆく感覚、自分はこれを探し求めていたんだなぁと気付かされました。そこから他の作品も色々と聴き漁り、たどり着いたのは『Isn’t Anything』でした。変則的なリズムと実験的なギター・サウンド、メンバーの顔が白飛びしているジャケットなど、佇まいも含めてクールすぎる！と魅了されました。一番好きな曲は「Lose My Breath」です。不穏なコードと陰鬱で消えそうなビリンダのダウナーな歌声は、シューゲイザーという音楽の核心を突いていると思います。

文＝こばやしあゆみ（SPOOL）
編集＝對馬拓

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■ Release

SPOOL – (image for) drawing on canvas

□ Label – Self Released
□ Release – 2022/11/16

＊先行配信（表題曲）
https://friendship.lnk.to/ifdoc_sg

■ Infomation

new you Vol.2（ZINE）
特集：SPOOL（仮）

【Feature】My Best Shoegaze

Vol.21は、アイドル・グループ yumegiwa last girlの「シューゲイザー担当」であり、ソロ名義“UTERO”としても活動する、夢際りんが選ぶ5枚。

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■ Rosemary Fairweather – Heavenly: A Collection of Songs（2016）

Label – 2670records
Release – 2016/11/16

カナダ・トロントを拠点に活動する、Rosemary Fairweather のデビュー・アルバム。これをきっかけに、2670recordsに出会い、レーベルごとに掘っていくということを知った気がします。2670recordsが出しているものは大体好きなのですが、特に好きな一枚です。中でも、透明感のあるヴォーカル、リズム、音色、全てが心地良い、M3「Chemicals」がお気に入り。目を閉じると、真っ白な世界にやわらかな光がふわふわ浮いている景色が浮かんできて、脳が幸せになります。今のところ人生で聴いた曲TOP3に確実に入っているし、きっと、死ぬまでそうだと思います。

■ Parannoul (파란노을) – To See the Next Part of the Dream（2021）

Label – Self Released / Longinus Recordings　
Release – 2021/02/23

ここ数年で一番、“出会ってしまった感”の強かった一枚。ぼーっとタイムラインを眺めていたら流れてきて、一気に虜になりました。音楽の中には、ワンフレーズを聴いた瞬間に引き込まれる音楽と、聴いていくうちに心地良くなるスルメ系音楽とがあると思っているのですが、これはそのどちらも併せ持った、間違いなく最高の音楽です。「何聴いてるの？」「リリィ・シュシュ。」という冒頭のほんの数秒で、刺さるべき層を的確に刺しに行ってる感じ、本当にずるい。生っぽいバンド・サウンドを、一人でここまで作り込めるのかと、今後の自分にとっての希望にもなりました。そして、この場を借りて……Sleep like a pillowさんのインタビュー記事とても良かったです、ありがとうございます。

■ 溶けない名前 – おしえてV感覚（2017）

Label – soda room records
Release – 2017/10/04

1980年代の歌謡曲とシューゲイザーをミックスした“歌謡シューゲイザー”を掲げる名古屋のバンド。「幽霊少女は八月を殺す」が一番好きです。記憶が定かではないのですが、リリースのよりもだいぶ早い段階でこの曲はSoundCloudに公開されていたはずで、2015年前後のSoundClooudに住んでいた時代を彩ってくれました。ツイン・ヴォーカルでのオクターブハモリが完全に自分の性癖なのだと気づいてしまったわけです。溶けない名前、root13.、uremaあたりが好きな人間とは無言で一日過ごせる気がします。

■ スーパーカー – スリーアウトチェンジ（1998）

Label – エピックレコードジャパン　
Release – 1998/04/01

私が初めて聴いた高校生の頃には既に解散していたので、彼らがどのくらい有名だったのか、メディアに出ていたのか、ということを実は全く知らなくて、只々、かっこいい音楽として自分の中に君臨し続けています。シューゲイザーという認識を持って聴いたこともないのですが（日本のシューゲイザーと呼ばれるものって、なんだか独特じゃないですか？）、そこに分類されているようなので、選ばない手はないと思って、選ばせていただきました。音楽も、音作りも、歌詞も、空気感も、全てが好きです。

■ My Bloody Valentine – Loveless（1991）

Label – Creation
Release – 1991/11/04

色々な観点から5枚を選ぼうと思っていたのですが、御三家からどれを選ぶのか、はたまたThe Jesus and Mary Chainにするのかなど、この一枠が一番悩みました。「シューゲイザーって何？」と聞かれたときに、とりあえずこれを聴け、と流したくなる、シューゲイザーの代名詞的存在だと思っています。甘く包まれるような温もりと同時に、この感覚が永遠には続かないことを教え込まれるような儚さがある気がしていて…。酔っている時にも似た、ふわふわした感覚が得られる麻薬みたいな音楽です。2018年の来日時にはライブに行くことができたのですが、私的にはあれよりも轟音で聴きたいです、音に包まれたい。

文＝夢際りん（yumegiwa last girl）
編集＝對馬拓

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■ Release

UTERO – 眠れぬ夜の君のため（EP）

□ Label – Self Released
□ Release – 2022/03/09

https://owlpop.co/utero_sleepless

■ Information

new you Vol.1（ZINE）
特集：揺らぎ / 2022年上半期ベスト・シューゲイザー

＊上半期ベストとして、UTERO『眠れぬ夜の君のため』のレビューを掲載（執筆：内山結愛）。

＊Sleep like a pillowのWebストア『枕眠堂』の他、ディスクユニオン等の店舗、各種レーベル・ストア、ディストロにて販売中

https://sleep-like-a-pillow.stores.jp/

■ Profile

夢際りん（ゆめぎわ・りん）

yumegiwa last girlのメンバーとして2020年に活動を開始。エフェクターなどを用いたソロ活動としてUTEROの名義でも活動し、EP『眠れぬ夜の君のため』をリリース。3月に開催された本人の誕生祭ではソロステージを行なった。北海道出身。

【Feature】My Best Shoegaze

Vol.19は、For Tracy Hydeやエイプリルブルーの他、ソロ・プロジェクトであるLetters To AnnikaやRAYへの楽曲提供など、マルチに活躍する管梓（夏bot）が選ぶ5枚。

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■ Colfax Abbey – Drop（1996）

Label – Prospective
Release – 1996/02/27

なぜか配信で聴けるのがApple Musicのみという不遇な状況にありますが、個人的にはCDを探し出してでもお聴きいただきたい、Ride + Slowdive + emoな問答無用の傑作です。

クールでありつつ時折熱をにじませる青いヴォーカル、美しいメロディ、世間一般の音質の良し悪しを考慮せずに、楽曲を引き立てるための然るべきテクスチャーをもたらすことを念頭に置いたと思われるサイケデリックで耽美な音像……僕がシューゲイズに求めるすべてが高純度で結晶化されていて、特に冒頭を飾る「Feel」はFor Tracy Hydeのライブの登場SEにもしていたくらい大好きな曲です。

■ Ride – Nowhere（1990）

Label – Creation
Release – 1990/10/15

言わずと知れた金字塔。シューゲイズというジャンルに出会ったばかりの16～17歳の頃にこの作品から受けた衝撃、そしてその後の僕の音楽人生への影響は言葉に尽くせません。僕が12弦ギターを多用するのも彼らの影響です。

若干とっつきづらかったMy Bloody ValentineやSlowdiveと違ってRideには最初からすんなりなじめたのは、まばゆい爆音や激しいビートの核にあるソングライティングがわかりやすく60年代的なマナーに則ったものだったからでしょう。その美しいハーモニーにはまさにオルタナティヴ・ロックの時代にアップデートされたThe BeatlesやThe Byrdsのような感覚があり、60年代サイケデリアで育った僕は瞬時に魅了されました。

■ Revolver – Cold Water Flat（1993）

Label – Caroline
Release – 1993/05/04

Rideのソングライティングの正統派らしい部分をより強く抽出・結晶化させたのがRevolverのこのアルバムではないでしょうか。個人的には『Going Blank Again』と『Carnival of Light』のいいとこ取りのような印象があります。

全体としてノイズ・ギターは控えめで、全編を貫くマッカートニー的な感傷に満ちたビタースウィートなソングライティングはバラードをもいとわず、管弦楽器の大胆な導入や高らかに熱唱するヴォーカルからもポップ・アーティストたらんというシューゲイズ・シーン出身のバンドらしからぬ野心が感じられます。秋に聴きたい極上のメロディに満ちたインディ・ロックの名盤。

■ Ides of Space – There Are No New Clouds（2001）

Label – Better Looking
Release – 2001/10/16

ポスト・ロックやエモの影響を感じるアンサンブルをコンパクトな轟音ギター・ポップにまとめたオーストラリアのバンドのデビュー作。穏やかなきらめきに満ちたサウンドと哀愁たっぷりのメロディがとても美しく、青春のサウンドトラックにぴったりの一枚で、高校～大学時代に愛聴していました。とりわけ「Keep Writing」は感涙ものの名曲です。いま聴くと昨今のエモゲイズと称される音楽の先駆けでもあるように思えます。

ちなみにこのバンドはアルバムが2作しかなく、もう1作の『Sleeping Fractures』も好内容で、1曲目の「Past Midnight」をFor Tracy HydeのSEに使っていました。こちらも併せてお聴きいただきたいところ。

■ DIIV – Oshin（2012）

Label – Captured Tracks
Release – 2012/06/26

元々好きな作品ではあったものの、本質的に理解できたのは比較的最近のこと。サーフ・ロック、シューゲイズ、クラウト・ロック、ポスト・パンクのエッセンスをない交ぜにした結果がオールシーズン対応のモダン・サーフ・ロックだとは……。気分を選ばない抽象的な音像でありつつ清涼感のあるポップネスが耳になじみ、ほかの音楽を聴くのに疲れたときによく聴きます。

For Tracy Hydeの『he(r)art』の制作当時は特にDIIVに傾倒しており、このアルバムは『Oshin』の空間を埋め尽くすような冷たい残響をR&B的なアーバンな楽曲に適用するという実験でした。これを形にするために多用したのが『Oshin』でも全編で使われているRoland Space Echo。この組み合わせは我ながらちょっとした発明です。

文＝管梓 a.k.a. 夏bot（For Tracy Hyde / エイプリルブルー / Letters To Annika）
編集＝對馬拓

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■ Release

For Tracy Hyde / RAY – フランボワーズ・パルフェのために（7inch）

□ Label – P-VINE
□ Release – 2022/07/20

1. フランボワーズ・パルフェのために (For Tracy Hyde ver.)
2. フランボワーズ・パルフェのために (RAY ver.)

【Feature】My Best Shoegaze

Vol.17は、2021年6月に1stフルアルバム『For you, Adroit it but soft』をリリースした揺らぎのMiracoが選ぶ5枚。

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■ Sigur Rós – Valtari（2012）

Label – Parlophone
Release – 2012/05/23

どこまでも繊細で、壊れそうに美しいSigur Rósの一枚。わたしにとってはアンビエントともシューゲイザーとも捉えられる。

このアルバムを少し肌寒い季節、船の上で聴くという甘美な体験をしたことがある（ジャケットにも船が描かれている）。約2時間半の船旅、ひたすらに海を眺めながら。タイトル通り、遠い鼓動が聞こえてくるようだった。

■ Pinkshinyultrablast – Everything Else Matters（2015）

Label – Shelflife / Club AC30
Release – 2015/01/26

後輩に教えてもらったことがきっかけで、大ファンになったロシアのドリーミー・シューゲイザー・バンド。個人的には「ドリーミー」という冠が最も似合うバンドだと思っている。

ヴォーカルのLyubovの声は本当に透き通っていて美しい。そしてギターが無くともシューゲイジングしてしまうのがまた素晴らしいところ。

「Holy Forest」という曲のMVがとてもシュールで好きなので是非観てほしい。

■ Daughter – The Wild Youth EP（2011）

Label – Self Released
Release – 2011/10/02

フォーク・ロックのジャンルに分類される彼女らだが、個人的には耽美で幻想的で、シューゲイザーの一端を担うに相応しい一枚だと思っている。

Daughterを発見した直後は狂ったようにライブ映像を観ていた。歌詞は孤独なのに、どこか暖かい音色が全てを受け入れてくれる様子をはらんでいる。

ちなみにヴォーカルのElena Tonraはわたしの憧れの人。佇まいから発声、声音、つま先からてっぺんまで全てが大好きだ。

■ LSD and the Search for God – LSD and the Search for God（2007）

Label – Mind Expansion
Release – 2007/01/16

もしも「アレ」が合法ならこんな感じになれるのかなと、つい想像しながら聴いてしまうグッド・トリップな一枚。没入感が他の比でないくらい深く感じられるのは何故だろうか。

聴く時のシチュエーションは必ずベッドで。脳みそが沈澱する感覚に襲われるのが何故かお気に入り。

■ My Bloody Valentine – Loveless（1991）

Label – Creation
Release – 1991/11/04

最後は、やはり選ばざるを得なかったこの一枚。

YouTubeで音楽をディグりまくっていた高校1年生、突如流れた「Only Shallow」。新しい表現のカタチを教えてもらった神様の一枚。眩暈に似た感覚、甘くてへヴィーな音像は、言葉に表すには不明瞭な感情や現象が全て詰められていると思う。模倣はせずともやはり師匠的な存在。出会っていなかったら、間違いなく今の揺らぎはなかっただろう。

それから6年後、偶然にも對馬先生と豊洲PITで神様を共に体感したお話はまたの機会に…。

文＝Miraco（揺らぎ）
編集＝對馬拓

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■ Release

揺らぎ – For you, Adroit it but soft

□ Label – FLAKE SOUNDS
□ Release – 2021/06/30

https://songwhip.com/yuragi/for-you-adroit-it-but-soft

揺らぎ – For you, Adroit it but soft : Remixes & Rarities

□ Label – FRIENDSHIP.
□ Release – 2022/01/19

https://songwhip.com/yuragi/for-you-adroit-it-but-soft-remixes-and-rarities

関連記事：
揺らぎ『For you, Adroit it but soft』インタビュー　4人の心情と化学変化がもたらした自由なアルバム

【Feature】My Best Shoegaze

Vol.16は、3月に1stフルアルバム『Dazzling Azure』をリリースしたFerri-Chromeのクロゴメマナブが選ぶ5枚。

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■ Ride – Smile（1990）

Label – Sire Records / Creation Records
Release – 1990/07/??

中3でThe Clashのコンサートに行き、高校時代はエコバニ等のNWを聴きまくっていた自分は、大学ではテニスサークルでうつつを抜かし音楽から完全に離れていた。The Stone Rosesの登場も知らなかったくらいだ。就職して名古屋に赴任、独身寮でやることもなく音楽友達も一人もいなかったが、雑誌でようやく知り合ったNW好きな女の子とドライブに行った。その子が「すごいバンドがある」と車内で流してくれたのがRideの「Chelsea Girl」だった。衝撃を受けた。轟音ギター、甘美なメロディー、マークの美しい声。一気に音楽の世界に引き戻された。「Like a Daydream」にも更に衝撃を受け、編集盤『Smile』を購入。その2年後に初めて自分のバンドを結成。長きに渡るバンド人生はここから始まったのである。

■ Pale Saints – The Comforts of Madness（1990）

Label – 4AD
Release – 1990/02/12

Rideを知った自分はシューゲイザー・バンドを買い漁ることになる。中でもPale Saintsの1stは自分を夢中にさせた。天使のようなイアン・マスターズの声は今でも世界で一番好きなヴォーカリストであり、自分の理想でもある。2回目の来日を京都で観る予定が大渋滞で辿り着けず、残るは日曜日の札幌のみ。チケットもないのに日帰り札幌行きを決行、愛知から羽田空港まで車で行って札幌に飛んだ。奇跡的に当日券があった。「Way the World Is」で始まりアンコールラストは「True Coming Dream」、これ以上ないセットリストで感激しまくった。行きの高速道路で警察にスピード違反で捕まったり色々あったが、何とか朝方に名古屋に到着。一生の思い出に残るライブとなった。

■ Loco-Holidays – Engine Flower（1991）

Label – Confusion
Release – 1991/11/21

日本のシューゲイザー創始期を代表するバンド。浮遊感と激しさが混在するギター、ポップなメロディー、繊細で美しい男女混成ヴォーカル、まさに自分の好きが全部詰め込まれた、当時日本で一番好きなバンドであった。その後バンドを始める自分にとってこの男女混声のキラキラ感が指標となる。当時ライブを観れなかった自分は、2013年の再結成ライブには驚喜したものだ。そして、その後ドラムのキンヤさんとShortcut Miffy!でご一緒させていただき、Hidekaさんとも仲良くなりこの執筆の数日前に飲んだりしている。一人独身寮で黙々と聴いていた自分にこんな音楽人生が待っているとは夢にも思わなかった。Ferri-Chromeでは「Bloody Minded Hill」をカバーしている。

■ Moose – Sonny & Som（1991）

Label – Hut Records
Release – 1991/??/??

初期EP3作を編集したミニアルバム。シューゲイザーの語源はこのMooseがいつも下を向いて演奏していたところから、と言われている。言わば元祖なのだがやや地味な存在で、しかも途中からサイケポップとなりシューゲイザー的作品はこれのみである。しかしここに収録されている「Suzanne」を初めて聴いた時は背筋に電流が走った。緊張感の溢れるコード進行、高揚していくギター・ノイズ、名曲中の名曲であると思っている。どの曲も独特のポップ感があり、世界観に引き込まれていく。サイケポップとなってからも良い曲が多く、全てのアルバムを持っている大好きなバンドである。「Suzanne」は現在Ferri-Chromeの登場SEとして使用している。

■ スーパーカー – スリーアウトチェンジ（1998）

Label – dohb discs
Release – 1998/04/01

28歳の時に札幌に転勤が決まる。まさかのPale Saintsを日帰りで観た札幌。その時はSunnycharもHeaven’s Beachも終わっていて、結婚もしたしバンドはもう終わりにしようと思っていた。その頃札幌のタワレコでたまたま試聴したのがスーパーカーの「cream soda」だった。本当に衝撃を受けた。轟音ギターにツボを突きまくるメロディーライン。10代の人たちがこんなにすごいことをやっているのか…。もう一回ちゃんとバンドやろうと思い直し、結成したのがMica Flakesであった。1999年、RISING SUN ROCK FESTIVALで初めて彼らのステージを観た時は感激したものである。Rideから始まったバンド人生は、スーパーカーがいたからこそ今でも続いていると言っても過言ではない。

文＝クロゴメマナブ（Ferri-Chrome / Mica Flakes / Shortcut Miffy!）
編集＝對馬拓

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■ Release

□ Ferri-Chrome – Dazzling Azure

□ Label – TESTCARD RECORDS
□ Release – 2022/03/02

https://songwhip.com/ferrichrome/dazzling-azure

【Feature】My Best Shoegaze

Vol.15は、3月に新作EPをリリースした4人組シューゲイザー／ドリームポップ・バンド、re:lapseのseisuiが選ぶ5枚。

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■ The Jesus and Mary Chain – Psychocandy（1985）

Label – Blanco y Negro
Release – 1985/11/18

ジザメリで一番好きなアルバムは『Darklands』ですが、「My Best Shoegaze」で挙げるとするとやはり『Psychocandy』です。『Loveless』を聴いた時はピンとこなかったのですが、このアルバムを聴いてからはその魅力を理解できるようになりました。名曲「Just Like Honey」は何度でも聴いてしまいます。パンク的な凶暴さを持ち合わせながらもThe Ronettes「Be My Baby」の影響など60年代の甘いポップ・ソングを独自の解釈で構築し混ぜ合わせているところが素晴らしく、僕自身のバンドでもそうしたジザメリのスタンスにシューゲイズ・バンドの中でも特に影響を受けています。

■ My Bloody Valentine – ep’s 1988-1991（2012）

Label – Sony（Reissue：Domino）
Release – 2012/05/04

名盤と名高い『Loveless』を聴いてみた時は全然良さが分からなかったのですが、Creationの古いコンピに「Don’t Ask Why」が入っていて、その曲が初めて「マイブラいいな…」と思うきっかけとなりました。一時期そのコンピの中でこの曲だけ毎朝聴いて目覚めるのがいつの間にか習慣になっていました。朝の目覚めの微睡でぜひ聴いてみてほしいです。トリップできます。マイブラはアルバム曲も素晴らしいですが、EPも「Moon Song」「Sugar」「Angel」など飛び抜けてポップな楽曲が多く、僕としてはマイブラのそうした側面が出ているポップ・ソングが一番ツボなので、それらの貴重な楽曲が聴けるこの盤をチョイスしました。

■ Ride – Today Forever（1991）

Label – Creation
Release – 1991/03/04

通称「鮫ライド」。正直、シューゲイザーへの理解はRide「Vapour Trail」を聴かなければ放棄していました…笑。ですので『Nowhere』と迷いましたが、アートワークを含めEP全体の世界観が統一されていて一番好きな盤なのでチョイスしました。特にEPの最後を締め括る「Today」はラストにかけてストリングスと絡みながらバンド・サウンド全体が暴走してゆく様が、狂気的でありながら美しく素晴らしいです。最後、一気にフェードアウトしてスパッと終わるところも潔く、聴き終えた後にスッキリとした気持ちになります。この盤までの初期Rideのアートワークは本当に美しく、音像の爽やかで儚い様を具現化しているように思います。

■ Enya – And Winter Came…（2008）

Label – Warner Brothers / Reprise
Release – 2008/11/07

個人的に、シューゲイズ的なヴォーカルの極地がEnyaだと思っています。アイルランド出身というのもあって民族音楽的要素もマイブラと近い部分を感じることが多々あり、完璧主義者であるところもケヴィン・シールズと共通しています。ヴォーカルについても何十回、何百回と多重録音しており、実はマイブラ以上に狂気的な作品作りをしているところも。Enyaの楽曲には捨て曲が一切ないのでどれか一枚を選べませんが、Enyaにハマるきっかけとして思い入れのあるドラマ『ありふれた奇跡』（​​主演は加瀬亮と仲間由紀恵）の主題歌として象徴的に使われていた「Dreams Are More Precious」が収録されているこの盤をチョイスしました。

■ James Blake – James Blake（2011）

Label – ATLAS / A&M / Polydor
Release – 2011/02/04

ダブステップのアルバムですが、シューゲイズ的なアンビエント要素も感じ取れて、僕にとっては直近のアーティストの中で一番影響を受けたアルバムです（2011年の作品ですが…）。アルバムで聴ける加工された不可思議な音はほとんどLogic Proのプラグインによるもの、ということを雑誌のインタビューで知り、僕自身もそれをギター・サウンドの作り方に落とし込むなど非常に影響を受けました。『Loveless』のリヴァース・リヴァーブやサンプリング、Enya作品のデジタルMTRにより可能になった何百もの多重録音もそうですが、新しさを感じる音楽というものはテクノロジーの進化と非常に密接に関係しているのだなと最近は常々思っています。

文＝seisui（re:lapse）
編集＝對馬拓

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■ Release

re:lapse – re:lapseⅡ.ep

□ Label – DREAMWAVES RECORDS
□ Release – 2022/03/16

https://songwhip.com/relapse2/relapse-iiep

関連記事：
re:lapse『re:lapse Ⅱ.ep』インタビュー　アップデートされたアンビエント・シューゲイザー

■ 借りた靴を履いているような感覚

今となってはかけがえのない1枚になったものの、その魅力を理解できるまでしばらく時間がかかった作品がいくつかある。Beach Boysの『Pet Sounds』、Pink Floydの『狂気』、Radiohead の『Kid A』、そして、My Bloody Valentineの『loveless』。

得体の知れない引力に押し動かされるように、しつこく何度も聴き続けることで発酵を重ね、いつしか自らの心と不可分な「かけがえのない一枚」となった作品が多い中、My Bloody Valentineの『loveless』だけは、丁寧な発酵ではなく、スイッチが切り替わったように不意に聴こえ方が変わる明確な分水嶺があった。そのタイミングは、2018年8月15日。豊洲PITでのMy Bloody Valentine来日公演である。

この世の中は、My Bloody Valentineのライブを体験した者としていない者の2種類に分類される。冗談を言っている訳ではない。前者と後者では、目に映る景色、音の聴こえ方、全てが決定的に違っているはずだ。耳栓が配布されるほどの圧倒的な音量で奏でられるノイズは、鼓膜を揺さぶるだけでなく、空気の粒を振動させ身体を包み込む。胎内に戻ったようにも、宇宙に放り出されたようにも感じられる感覚は、スピリチュアルな体験に近い。「多感な青年時代にパリに住んだとすれば、残りの人生をどこで過ごそうとパリは君についてまわる」とヘミングウェイは『移動祝祭日』に記した。同様に一度My Bloody Valentineのライブを体験した者は、程度の差こそあれど不可逆的に価値観が変わってしまっているはずだ。少なくとも私は価値観が音を立てて組み変わったことを感じた。

終演後、豊洲PITの外に出ると数時間前の自分と微妙だけれど決定的に何かが変わっていた。借りた靴を履いているような感覚。8月の豊洲は、海風が心地よく海鳴りも聴こえた。そんな全てがなぜか新鮮に感じられるのだ。突然訪れた新しい自分とのズレに慣れないのか、ぼんやりした手足。そのまま人の流れに身を任せて豊洲駅に漂着し、いつもの癖でイヤホンを耳に押し込む。開演前に聴いていた『loveless』の「When You Sleep」がアウトロの途中から再生され、続いて「I Only Said」がはじまる。この瞬間、もう後戻りのできない「あっち側」に自分がいることに気づいた。

（文＝Z11）