Rideが再結成したのは2014年で、当時の僕は18歳だった。僕とバンドの出会いもその頃で、後追いで聴いた『Nowhere』に詰まっていた底のない青さに押しつぶされそうになりながら、青春を過ごしていた。初めてのフジロック、夕日に暮れていくGREEN STAGEのどこか遠く、きっと心の奥底から響き渡ったであろうあの「Leave Them All Behind」のイントロはフジロックで最高の瞬間だった、今も揺るがない。

これまで三度Rideのライブを観てきた。一度目が前述の2015年のフジロック、再結成ツアーでのセットで、彼らは過去作からの名曲の数々をうねる轟音で広い芝生の上に塗りたくって、どんどん会場の夜を彩っていた。
（その後、2015年は韓国でも1公演。同年11月、『Nowhere』25周年ツアーで来日し東京・大阪で公演、シンガポールと香港でも1公演ずつ。）

二度目は2017年、SUMMER SONICの前夜祭、HOSTESS CLUB ALL-NIGHTERというイベントで、当時は再結成後1作目の『Weather Diaries』リリース直後、夜中だし、ダンサンブルな「All I Want」から「Taste」の流れでもう頭がダメになり、気づいたら人混みのなかで踊っており、終わったらセットリストを掴んでいた。溺れそうだった。
（2018年2月に『Weather Diaries』のツアーで来日し東京・大阪で公演、3月にかけて韓国、台湾、上海、北京で1公演ずつ。）

三度目はインドネシア、かつて前座に見出したDIIVとのツーマンで、DIIVが荒削りなデモ状態の新曲も含むアグレッシブなライブ演奏で若者たち（私も含め皆若かった）を踊らせた（モッシュもやった）のちにRideは登場し、圧倒的な音色で会場の空気を変えた。若者たちはみんな後ろで座ってステージを見上げていた、前の方にはいつの間にか前へ押し寄せた40代、50代の男女の姿があった。彼らは呆然とステージを見つめていた。Rideの音はDIIVとは比べ物にならないくらいに緻密に出来上がっていて、思わず感激しステージへ近寄った。現地で知り合った若者とライブの話をしていて「DIIVもよかったけれどRideはやっぱり音が違うね、泣いてる人もいた」と僕が言うと、青年は「彼らがインドネシアでライブをするのは初めてなんだよ。30年待ってたんだ、俺らとは比べ物にならないよ」と。それが2018年。
（2019年、再結成後2枚目のアルバム『This Is Not A Safe Place』を発表し、11月にツアーで来日、東京・大阪で公演。日本に住んでいたが貧乏すぎて行けなかった。当時の彼女が行って「楽しかった。主役はロズ」と言っているのを聴いて嬉しかったのを覚えている。上海でも1公演。）

という人が今回のライブレポを書いています、そういう長い前置きだった。4年ぶりに観るのは、『Nowhere』30周年を冠して行われた4月19日、リキッドルームでの公演だ。

アンビエントなウォーク・オン・イントロが流れるなかRideのメンバーが登場したとき、久しぶりに見る4人の姿に興奮した。簡単な挨拶ののちにセットは「Seagull」で幕を開けた。僕はライド・シンバルからスタートし、Taxmanのベース・ラインが捻じれこんでくるあのイントロを常々、徐々に昼寝から目覚め始めるような、と形容していたのだが、このイントロにはそのような、人それぞれだろうが何等かの情景を呼び起こさせるような非常に強い印象があるのではないだろうか。

再現セットを観ると、その明らかに色を押し付けてくるような強い曲によってアルバムが幕を開けることに圧倒的な正義を感じた。The Beatles『Revolver』の「Taxman」から拝借したベース・ラインが響きわたるだけあって、引き合いに出したくなるようなサイケ・アルバムでもあるが、『Nowhere』のために提示される音のテーマは全く異なるものである。『Revolver』はゲーム・チェンジャーであったが、良くも悪くも個人的な経験を深めるようなアルバムではない。あの金字塔には自分を差し込む隙がない、一方『Nowhere』はどこまでも個人的なサイケ・ロックだろうと思う。悪く言うとかったるい、寝覚めは良くない、重い夢から引きずり起こされるような、でも同時に幻想性の強い、まさに昼寝で見る夢だなと思うということなのだが、これは非常に匿名的で解釈の余地がある、良い意味でねじの緩みやアンバランスな力みがあるアルバムなのである。そして今回の「Seagull」はその余白の明らかに存在する演奏であっただろう。今まで聴いていたのは爽やかすぎたよな、というか、結構どろどろした、アルバムを聴きながら何かに浸ってるときのイメージにめちゃくちゃ近い「Seagull」だった。

そこから「Kaleidoscope」「In a Different Place」と続いていき、徐々に僕のなかで、今回の演奏がこれまで観たどのRideとも大きく異なっているという印象が無視できないものになっていった。実際の彼らの心境がどうであったかを知らないので憶測に過ぎないが、パフォーマンスの面でも、音色の面でも演出がそぎ落とされて、めちゃくちゃシンプルになっていることに気づかされたのだ。

これまで観たRideのイメージとしては、圧倒的に作りこまれた音とバンドが一体化し、一つの現象として存在するような、すなわちこれまでのライブで僕が感じていたのは彼らの演奏がバンドのパフォーマンスではなく、時間&空間の提供であるという印象だった。

しかし、今回はそうではないように感じた。まず4人の人間にまっすぐスポットライトが当たっている時間はわずかで、真っ暗のステージに立つメンバーの顔はほとんど見えなければ、ステージ上での動きも心なしか静かである。MCもロック・ミュ－ジシャンが観客を煽るようなものではなく、なんというか、曲が終わるごとにちゃんと人間に戻ってしっかり言葉を話してるなって感じ。劇をやっているわけではなく、4人の人間が集まってRideの曲をやってる感じ。変な感想だけど。

そして今回は、豪華絢爛な音作りや所謂シューゲイズ的な美しいノイズもない、粗くて太いサウンドの2本のギターと、リズム隊の2人の呼吸が、丁寧に丁寧に、壊さないように過去の名曲の数々を掘り起こすような、そんな演奏なのだ。だからこそ「Seagull」の段で述べたような余白のようなものを感じたのかもしれない。

聴いているこちらも、興奮気味に前のめりで待っていた恰好から、徐々に静かに聴き入るような形へ移行していく感覚があった。どんどんどんどん沈められていくような不思議な感覚で、まるで今まで受けた印象の真逆であった。僕の個人的に最も好きな曲である「In a Different Place」からドラムが忙しい「Polar Bear」、MCを経て「Dreams Burn Down」と、この区間などはもう黙って、身体をピクリともさせず、棒立ちで食らっていた。やられた、気づいたら身体中に音符を刻まれてしまった、『Nowhere』でびっしりになってしまっている。本当に、この楽しい時間ではなく、曲そのものの良さにフォーカスが向くような、不思議な感覚のライブなのだ。

「In a Different Place」をはじめ、「Decay」「Paralysed」「Here and Now」「Nowhere」など、普段のセットではなかなか聴けない曲が並んでいたことも特筆すべきだろうけど、なかでも特に感銘を受けたのはメイン・セットの最後を飾った「Nowhere」だった。まるでアコースティック・ライブのような構成の（それはさすがに言い過ぎなんですが）、ソング・オリエンテッドなセットで、こと全力ハーモニカが最高な「Here and Now」を演奏し終わったあと、おもむろにライブ用に脱構築された「Nowhere」を大ノイズなしの生っぽい音色でプレイし始めるなんてのは反則だと思った。今までノイズにまみれて気づかなかった各パートの絡まり方や、4つの人間が奏でる音の相互作用を生かしつつの発展であったりが全面にあった、そういう良さにたくさん出会えるライブだったけれど、その象徴がこの曲だったと思う。

だんだん音が減っていってロズのドラムだけになったところで、アンディ・ベルが
“All that left is you and me
and here we are
nowhere”
（残ったのは僕と君だけだ
こんなところに来てしまった
ノーウェア）
と歌う。この歌詞が繰り返され、最終的にはノイズ・パートに入っていく。びっくりした。正直知りませんでした、この感じで最後ノイズやるんですか？　この曲にこのパートが入ってたんですか？　驚きつつ楽しみました。「Drive Blind」だけだと思ってましたね、そして、「Drive Blind」のノイズ・パートとは全然違うんですね。

音の恍惚ではなく、物語的な恍惚があった。「Seagull」から始まり、あれあれと終わってしまう、そんな感情が沸いてきて「Nowhere」良いなぁ、と思った。単体になった途端に意味が外れて、めちゃくちゃ不思議になる単語をタイトルにしたアルバムの再現セットにふさわしい、というかコンテクストを作って最後の「Nowhere」に意味を持たせるような、面白いライブだった。

これはRideが主役でありながら、Rideがここにはいないのだな、というような曲解も自分のなかで発生したし、「じゃあどこにいるんですか？」「Nowhere」ということなんですよ。自分の曲をこんなに大事そうに、丁寧に演奏している人を初めて見た。主人公はRideではなく、Ride。今この瞬間を楽しむというよりは、曲そのものに飛び込むような、マジで不思議な感覚のセットだった。

もちろんこのあとには、アンコールというパートがあったのですが……『Nowhere』と関係ない曲と共に出てきたRideが正直、別人すぎて笑った。肩の荷が降りたというか気張ってないというか自然というか、ついに本人登場というか、メイン・セットとアンコールでこんなに雰囲気が違うライブっていうのも変な体験で、2組バンドを観たような、謎のあれ。まあ、今まで通りの知ってるRideだった、こっちの方が気を張らず阿呆になって楽しめるかな、と思いつつも、たまにこういうめちゃくちゃ深く潜るような異様な経験も面白かったな、と凄い対比構造になっていた。

いや、本当に。時は流れたということですよ、多分。1988年に結成され線香花火のように眩しい音楽を生み出し1996年に解散した伝説のバンド、Rideという雰囲気はもう全然ない、良い意味で。

2014年の再結成から今年で9年が経ち、既に当時の活動年数を超えているし、再結成後の公演数は今回の前まででアジアで16回、日本だけでも8回。今年の、30周年ツアーの3公演を足すとと追加1公演を足すと、今回の来日で、再結成後の日本でのライブ回数は12回目を数えることになる。この12という数字はRideが解散前に日本で行った公演数と並ぶ数字ってことを考えると非常に感慨深くないですか？

今回の来日公演は単に名盤の30周年を祝うだけでなく、Rideが昔のバンドでなくなった瞬間のライブって思うと。そう考えると、メイン・セットの『Nowhere』のRideと、アンコールで見た現状目の前にいるRideの対比をこのタイミングで観れたのは、とてもいい経験だったと思う。

最後にあの……僕からは一個だけ。今日からは自分たち達を後追いのRideファンと言うのをやめましょう。1stの再現ツアーを二度、2ndの再現ツアーにベスト盤を記念する公演も、再結成後、2枚のアルバムがリリースされました。だから今日からは、僕らも立派なリアタイ世代です。

Ride – Nowhere anniversary show
2023/04/19
LIQUIDROOM

1. Seagull
2. Kaleidoscope
3. In a Different Place
4. Polar Bear
5. Dreams Burn Down
6. Decay
7. Paralysed
8. Vapour Trail
9. Taste
10. Here and Now
11. Nowhere
En1. Lannoy Point
En2. OX4
En3. Monaco
En4. Leave Them All Behind

【Feature】My Best Shoegaze

Vol.19は、For Tracy Hydeやエイプリルブルーの他、ソロ・プロジェクトであるLetters To AnnikaやRAYへの楽曲提供など、マルチに活躍する管梓（夏bot）が選ぶ5枚。

＊　＊　＊

■ Colfax Abbey – Drop（1996）

Label – Prospective
Release – 1996/02/27

なぜか配信で聴けるのがApple Musicのみという不遇な状況にありますが、個人的にはCDを探し出してでもお聴きいただきたい、Ride + Slowdive + emoな問答無用の傑作です。

クールでありつつ時折熱をにじませる青いヴォーカル、美しいメロディ、世間一般の音質の良し悪しを考慮せずに、楽曲を引き立てるための然るべきテクスチャーをもたらすことを念頭に置いたと思われるサイケデリックで耽美な音像……僕がシューゲイズに求めるすべてが高純度で結晶化されていて、特に冒頭を飾る「Feel」はFor Tracy Hydeのライブの登場SEにもしていたくらい大好きな曲です。

■ Ride – Nowhere（1990）

Label – Creation
Release – 1990/10/15

言わずと知れた金字塔。シューゲイズというジャンルに出会ったばかりの16～17歳の頃にこの作品から受けた衝撃、そしてその後の僕の音楽人生への影響は言葉に尽くせません。僕が12弦ギターを多用するのも彼らの影響です。

若干とっつきづらかったMy Bloody ValentineやSlowdiveと違ってRideには最初からすんなりなじめたのは、まばゆい爆音や激しいビートの核にあるソングライティングがわかりやすく60年代的なマナーに則ったものだったからでしょう。その美しいハーモニーにはまさにオルタナティヴ・ロックの時代にアップデートされたThe BeatlesやThe Byrdsのような感覚があり、60年代サイケデリアで育った僕は瞬時に魅了されました。

■ Revolver – Cold Water Flat（1993）

Label – Caroline
Release – 1993/05/04

Rideのソングライティングの正統派らしい部分をより強く抽出・結晶化させたのがRevolverのこのアルバムではないでしょうか。個人的には『Going Blank Again』と『Carnival of Light』のいいとこ取りのような印象があります。

全体としてノイズ・ギターは控えめで、全編を貫くマッカートニー的な感傷に満ちたビタースウィートなソングライティングはバラードをもいとわず、管弦楽器の大胆な導入や高らかに熱唱するヴォーカルからもポップ・アーティストたらんというシューゲイズ・シーン出身のバンドらしからぬ野心が感じられます。秋に聴きたい極上のメロディに満ちたインディ・ロックの名盤。

■ Ides of Space – There Are No New Clouds（2001）

Label – Better Looking
Release – 2001/10/16

ポスト・ロックやエモの影響を感じるアンサンブルをコンパクトな轟音ギター・ポップにまとめたオーストラリアのバンドのデビュー作。穏やかなきらめきに満ちたサウンドと哀愁たっぷりのメロディがとても美しく、青春のサウンドトラックにぴったりの一枚で、高校～大学時代に愛聴していました。とりわけ「Keep Writing」は感涙ものの名曲です。いま聴くと昨今のエモゲイズと称される音楽の先駆けでもあるように思えます。

ちなみにこのバンドはアルバムが2作しかなく、もう1作の『Sleeping Fractures』も好内容で、1曲目の「Past Midnight」をFor Tracy HydeのSEに使っていました。こちらも併せてお聴きいただきたいところ。

■ DIIV – Oshin（2012）

Label – Captured Tracks
Release – 2012/06/26

元々好きな作品ではあったものの、本質的に理解できたのは比較的最近のこと。サーフ・ロック、シューゲイズ、クラウト・ロック、ポスト・パンクのエッセンスをない交ぜにした結果がオールシーズン対応のモダン・サーフ・ロックだとは……。気分を選ばない抽象的な音像でありつつ清涼感のあるポップネスが耳になじみ、ほかの音楽を聴くのに疲れたときによく聴きます。

For Tracy Hydeの『he(r)art』の制作当時は特にDIIVに傾倒しており、このアルバムは『Oshin』の空間を埋め尽くすような冷たい残響をR&B的なアーバンな楽曲に適用するという実験でした。これを形にするために多用したのが『Oshin』でも全編で使われているRoland Space Echo。この組み合わせは我ながらちょっとした発明です。

文＝管梓 a.k.a. 夏bot（For Tracy Hyde / エイプリルブルー / Letters To Annika）
編集＝對馬拓

＊　＊　＊

■ Release

For Tracy Hyde / RAY – フランボワーズ・パルフェのために（7inch）

□ Label – P-VINE
□ Release – 2022/07/20

1. フランボワーズ・パルフェのために (For Tracy Hyde ver.)
2. フランボワーズ・パルフェのために (RAY ver.)

【Feature】My Best Shoegaze

Vol.16は、3月に1stフルアルバム『Dazzling Azure』をリリースしたFerri-Chromeのクロゴメマナブが選ぶ5枚。

＊　＊　＊

■ Ride – Smile（1990）

Label – Sire Records / Creation Records
Release – 1990/07/??

中3でThe Clashのコンサートに行き、高校時代はエコバニ等のNWを聴きまくっていた自分は、大学ではテニスサークルでうつつを抜かし音楽から完全に離れていた。The Stone Rosesの登場も知らなかったくらいだ。就職して名古屋に赴任、独身寮でやることもなく音楽友達も一人もいなかったが、雑誌でようやく知り合ったNW好きな女の子とドライブに行った。その子が「すごいバンドがある」と車内で流してくれたのがRideの「Chelsea Girl」だった。衝撃を受けた。轟音ギター、甘美なメロディー、マークの美しい声。一気に音楽の世界に引き戻された。「Like a Daydream」にも更に衝撃を受け、編集盤『Smile』を購入。その2年後に初めて自分のバンドを結成。長きに渡るバンド人生はここから始まったのである。

■ Pale Saints – The Comforts of Madness（1990）

Label – 4AD
Release – 1990/02/12

Rideを知った自分はシューゲイザー・バンドを買い漁ることになる。中でもPale Saintsの1stは自分を夢中にさせた。天使のようなイアン・マスターズの声は今でも世界で一番好きなヴォーカリストであり、自分の理想でもある。2回目の来日を京都で観る予定が大渋滞で辿り着けず、残るは日曜日の札幌のみ。チケットもないのに日帰り札幌行きを決行、愛知から羽田空港まで車で行って札幌に飛んだ。奇跡的に当日券があった。「Way the World Is」で始まりアンコールラストは「True Coming Dream」、これ以上ないセットリストで感激しまくった。行きの高速道路で警察にスピード違反で捕まったり色々あったが、何とか朝方に名古屋に到着。一生の思い出に残るライブとなった。

■ Loco-Holidays – Engine Flower（1991）

Label – Confusion
Release – 1991/11/21

日本のシューゲイザー創始期を代表するバンド。浮遊感と激しさが混在するギター、ポップなメロディー、繊細で美しい男女混成ヴォーカル、まさに自分の好きが全部詰め込まれた、当時日本で一番好きなバンドであった。その後バンドを始める自分にとってこの男女混声のキラキラ感が指標となる。当時ライブを観れなかった自分は、2013年の再結成ライブには驚喜したものだ。そして、その後ドラムのキンヤさんとShortcut Miffy!でご一緒させていただき、Hidekaさんとも仲良くなりこの執筆の数日前に飲んだりしている。一人独身寮で黙々と聴いていた自分にこんな音楽人生が待っているとは夢にも思わなかった。Ferri-Chromeでは「Bloody Minded Hill」をカバーしている。

■ Moose – Sonny & Som（1991）

Label – Hut Records
Release – 1991/??/??

初期EP3作を編集したミニアルバム。シューゲイザーの語源はこのMooseがいつも下を向いて演奏していたところから、と言われている。言わば元祖なのだがやや地味な存在で、しかも途中からサイケポップとなりシューゲイザー的作品はこれのみである。しかしここに収録されている「Suzanne」を初めて聴いた時は背筋に電流が走った。緊張感の溢れるコード進行、高揚していくギター・ノイズ、名曲中の名曲であると思っている。どの曲も独特のポップ感があり、世界観に引き込まれていく。サイケポップとなってからも良い曲が多く、全てのアルバムを持っている大好きなバンドである。「Suzanne」は現在Ferri-Chromeの登場SEとして使用している。

■ スーパーカー – スリーアウトチェンジ（1998）

Label – dohb discs
Release – 1998/04/01

28歳の時に札幌に転勤が決まる。まさかのPale Saintsを日帰りで観た札幌。その時はSunnycharもHeaven’s Beachも終わっていて、結婚もしたしバンドはもう終わりにしようと思っていた。その頃札幌のタワレコでたまたま試聴したのがスーパーカーの「cream soda」だった。本当に衝撃を受けた。轟音ギターにツボを突きまくるメロディーライン。10代の人たちがこんなにすごいことをやっているのか…。もう一回ちゃんとバンドやろうと思い直し、結成したのがMica Flakesであった。1999年、RISING SUN ROCK FESTIVALで初めて彼らのステージを観た時は感激したものである。Rideから始まったバンド人生は、スーパーカーがいたからこそ今でも続いていると言っても過言ではない。

文＝クロゴメマナブ（Ferri-Chrome / Mica Flakes / Shortcut Miffy!）
編集＝對馬拓

＊　＊　＊

■ Release

□ Ferri-Chrome – Dazzling Azure

□ Label – TESTCARD RECORDS
□ Release – 2022/03/02

https://songwhip.com/ferrichrome/dazzling-azure

【Feature】My Best Shoegaze

Vol.15は、3月に新作EPをリリースした4人組シューゲイザー／ドリームポップ・バンド、re:lapseのseisuiが選ぶ5枚。

＊　＊　＊

■ The Jesus and Mary Chain – Psychocandy（1985）

Label – Blanco y Negro
Release – 1985/11/18

ジザメリで一番好きなアルバムは『Darklands』ですが、「My Best Shoegaze」で挙げるとするとやはり『Psychocandy』です。『Loveless』を聴いた時はピンとこなかったのですが、このアルバムを聴いてからはその魅力を理解できるようになりました。名曲「Just Like Honey」は何度でも聴いてしまいます。パンク的な凶暴さを持ち合わせながらもThe Ronettes「Be My Baby」の影響など60年代の甘いポップ・ソングを独自の解釈で構築し混ぜ合わせているところが素晴らしく、僕自身のバンドでもそうしたジザメリのスタンスにシューゲイズ・バンドの中でも特に影響を受けています。

■ My Bloody Valentine – ep’s 1988-1991（2012）

Label – Sony（Reissue：Domino）
Release – 2012/05/04

名盤と名高い『Loveless』を聴いてみた時は全然良さが分からなかったのですが、Creationの古いコンピに「Don’t Ask Why」が入っていて、その曲が初めて「マイブラいいな…」と思うきっかけとなりました。一時期そのコンピの中でこの曲だけ毎朝聴いて目覚めるのがいつの間にか習慣になっていました。朝の目覚めの微睡でぜひ聴いてみてほしいです。トリップできます。マイブラはアルバム曲も素晴らしいですが、EPも「Moon Song」「Sugar」「Angel」など飛び抜けてポップな楽曲が多く、僕としてはマイブラのそうした側面が出ているポップ・ソングが一番ツボなので、それらの貴重な楽曲が聴けるこの盤をチョイスしました。

■ Ride – Today Forever（1991）

Label – Creation
Release – 1991/03/04

通称「鮫ライド」。正直、シューゲイザーへの理解はRide「Vapour Trail」を聴かなければ放棄していました…笑。ですので『Nowhere』と迷いましたが、アートワークを含めEP全体の世界観が統一されていて一番好きな盤なのでチョイスしました。特にEPの最後を締め括る「Today」はラストにかけてストリングスと絡みながらバンド・サウンド全体が暴走してゆく様が、狂気的でありながら美しく素晴らしいです。最後、一気にフェードアウトしてスパッと終わるところも潔く、聴き終えた後にスッキリとした気持ちになります。この盤までの初期Rideのアートワークは本当に美しく、音像の爽やかで儚い様を具現化しているように思います。

■ Enya – And Winter Came…（2008）

Label – Warner Brothers / Reprise
Release – 2008/11/07

個人的に、シューゲイズ的なヴォーカルの極地がEnyaだと思っています。アイルランド出身というのもあって民族音楽的要素もマイブラと近い部分を感じることが多々あり、完璧主義者であるところもケヴィン・シールズと共通しています。ヴォーカルについても何十回、何百回と多重録音しており、実はマイブラ以上に狂気的な作品作りをしているところも。Enyaの楽曲には捨て曲が一切ないのでどれか一枚を選べませんが、Enyaにハマるきっかけとして思い入れのあるドラマ『ありふれた奇跡』（​​主演は加瀬亮と仲間由紀恵）の主題歌として象徴的に使われていた「Dreams Are More Precious」が収録されているこの盤をチョイスしました。

■ James Blake – James Blake（2011）

Label – ATLAS / A&M / Polydor
Release – 2011/02/04

ダブステップのアルバムですが、シューゲイズ的なアンビエント要素も感じ取れて、僕にとっては直近のアーティストの中で一番影響を受けたアルバムです（2011年の作品ですが…）。アルバムで聴ける加工された不可思議な音はほとんどLogic Proのプラグインによるもの、ということを雑誌のインタビューで知り、僕自身もそれをギター・サウンドの作り方に落とし込むなど非常に影響を受けました。『Loveless』のリヴァース・リヴァーブやサンプリング、Enya作品のデジタルMTRにより可能になった何百もの多重録音もそうですが、新しさを感じる音楽というものはテクノロジーの進化と非常に密接に関係しているのだなと最近は常々思っています。

文＝seisui（re:lapse）
編集＝對馬拓

＊　＊　＊

■ Release

re:lapse – re:lapseⅡ.ep

□ Label – DREAMWAVES RECORDS
□ Release – 2022/03/16

https://songwhip.com/relapse2/relapse-iiep

関連記事：
re:lapse『re:lapse Ⅱ.ep』インタビュー　アップデートされたアンビエント・シューゲイザー

Vol.13は、シューゲイザー・バンド、Optloquat（オプトロカ）のギターや、ヘクトーよるをまもるのメンバーとしても活動する、うぃるの5枚。

■ Ride – Nowhere（1990）

Label – Creation Records
Release – 1990/10/15

シューゲイザーの原体験アルバム。高校生の頃、UKのバンドを聴くようになった流れで知りました。バンド・サウンドにおける浮遊感がこれほど心地良いものか…。衝撃。「ギター・サウンド＝カッコいい」だったのが「陶酔」できることも知った瞬間でした。リヴァーブやディレイに留まらず、フェイザー、トレモロ、ワウ、12弦ギターの音色はどれも新鮮で、エフェクターに興味を持つきっかけにもなっています。シューゲイザーの花形はギターになりがちですが、Rideのリズム・セクションの良さはギタリストの自分でもひしひしと感じます。ドラムはパワフルでエモーショナル、ベースはMUSICMAN Stingrayのアクティブ・ベースゆえか芯があってしっかりとした存在感。いつまでも自分のお手本と言える一枚です。

■ Ringo Deathstarr – Sparkler（2009）

Label – Vinyl Junkie Recordings
Release – 2009/11/04

1991年生まれの自分が、現行のバンドを見つけていく中で出会ったとっておきの盤。これぞシューゲイザー！といったギターのレイヤリングの中で、エリオットのヴォーカルはThe Jesus & Mary Chainのような色気を放ち、そこにアレックスの可憐なヴォーカルが加わり非常に濃密です。「SWIRLY」のイントロで既に心掴まれてしまう。「STARRSHA」以降の序盤は疾走感に満ちた煌びやかな雰囲気、「SUMMERTIME」「YOUR TOWN」など後半は陽炎のように揺らめき、真夏の炎天下で飲むサイダーみたいなアルバムだなと思います。実はシューゲイザー・バンドのライブを観たのは彼らの来日公演（2012年）が初めてで、その後も一番観に行っている海外のバンドです。いつか対バンできたら嬉しいなぁ！

■ DIIV – Deceiver（2019）

Label – Captured Tracks
Release – 2019/10/04

2020年で一番聴いたアルバム。実は前2作をすっとばして本作から入ったのですが、ヒリついた世界観、ぶん殴るような轟音に一発でノックアウトされました。良質なファズやフィードバックを満遍なく摂取できる盤です。今年プレーヤーを買ったので、家ではレコードを回して聴いています。とにかく音像が大好きです。メタルやグランジのヘビーさ、ポストパンクの冷たさやダークネス。Optloquatの『From the shallow』レコーディング時に聴いていたこともあり、歪みの質感やリフの幽玄さ、揺らぎ具合など、自身のギター・ワークにおいて影響を受けました。本盤を引っ提げての来日公演は、すぐさまチケットを確保したものの中止になり落胆しました。いつか来てくれることを願っています。

■ Alcest – Souvenirs D’un Autre Monde（2007）

Label – Prophecy Productions
Release – 2007/08/08

ブラックメタル×シューゲイザーの出会いはこの盤でした。フロントマンのNeigeが幼少期より夢見てきた空想世界がコンセプトになっているようで、タイトルはフランス語で「別世界の追慕」の意。繊細で優しいヴォーカルもフランス語で歌われており、高校生の自分にはそれだけで異世界のメロディに聴こえてきました。同じタイミングで聴いていたSigur Rós（造語であるホープランド語での歌唱）にも通ずる幻想的な魅力があると思います。ドライで重厚感のあるディストーション・ギター、手数の多いドラムなどが随所に入ってきますが、しなやかなアコースティックの音色、リヴァーブ深めのアルペジオ・リフなどと合わさり神聖なものになっています。

■ The Fauns – The Fauns（2009）

Label – Laser Ghost Recordings
Release – 2009/06/12

イギリス・ブリストル出身のバンド。ノイズ成分は少なく、リヴァーブが重なって女性ヴォーカルが揺蕩う。圧で聴かせるというよりシルキーな印象です。またエレクトロ要素の入り方が良いバランスだと思います。アートワークの美しさ、1曲目「Lovestruck」のMVもキュートかつ綺麗でオススメ。イギリスのバンドですが、北欧のように澄んだ空気を感じるアルバムです。所謂ニューゲイザーと言われていたような2000年代中頃のシーンで、エレクトロに接近したバンド（Letting Up Despite Great FaultsやGuitar『Sunkissed』など）も好きですが、このアルバムの優しく柔和な雰囲気が自分の中で特別でした。特に好きな曲は6曲目「Road Meets the Sky」です。

＊　＊　＊

文＝うぃる（Optloquat)
編集＝對馬拓

Release

■ Optloquat – From the shallow

Label – DELTAHEDRON
Release – 2021/07/07